東京藝術大学 大学院 音楽音響創造

恵谷 隆英
等間隔で演奏された打楽器音におけるグルーヴ感の定量的研究

本研究は、以下の3つの目的のもと行われた。第一に、グルーヴ感と関連する言葉を調査する こと。第二に、グルーヴ感の評価と関連する音響特性の調査すること。第三に、グルーヴ感の評価と音響特性の関連性を示すモデル式を提案することである。 

初めに6人の打楽器奏者、ドラマーを対象とした刺激の録音を行った。録音にはライドシンバ ルを用い、奏者は指定された5種類のテンポにおいて、それぞれ64打点ずつ演奏するように指示 した。演奏直前にメトロノームによってテンポを 20 秒間提示し、演奏中にはメトロノームによるガイドはなかった。録音後、各64打点のうち中心の 32 打点を抽出し、IOI(隣接する打点と打点の時間間隔)の平均値、IOIの標準偏差、IOIの変化率の平均値、IOIの変化率の標準偏差、音圧の変化率の平均値、音圧の変化率の標準偏差、打点の立ち上がり時間の平均値、打点の立ち上が りの標準偏差、スペクトル重心を音響特性として抽出した。 

次に、三個組法、SD法を用い、刺激の「音楽的側面」に注目した評価語の抽出を行った。刺激には録音された刺激が使用された。その結果、6種類の評価語対、“速い-遅い”、“軽い-重い”、“揺れがある-揺れがない”、“リズムが安定している-リズムが不安定”、“人間的な-機械的な”、 “テンポが安定している -テンポが不安定”が抽出された。 

次に、SD 法を用いた評価実験を行い、グルーヴ感と関連する言葉の調査を行った。結果、“グルーヴ感がある-グルーヴ感がない”と最も高い相関係数を見せたのは、“好き-嫌い”であり、“揺れがある-揺れがない”、“人間的-機械的”がそれに続いた。よって、グルーヴ感のある演奏は、揺れがあり、人間的な演奏であると解釈される。また、グルーヴ感のある演奏は好まれる傾向にあると解釈された。 

最後に、グルーヴ感の評価を従属変数、音響特性の値を独立変数とした重回帰分析を行い、グルーヴ感と関連する音響特性の調査、及びグルーヴ感の評価と音響特性の関連性を表すモデル式を求めた。結果、IOIの標準偏差、IOIの変化率の平均値、音圧の変化率の平均値が有意にグルーヴ感の評価に寄与していることが明らかとなった。また、重回帰分析の結果、以下のモデル式が提案された。ΦsdをIOI の標準偏差、ΔΦaをIOIの変化率の平均値、ΔRMSaを音圧の変化率の平均値、ATa を立ち上がり時間の平均値とする。 

y =  -48.5Φsd + 30.3ΔΦa – 13.9ΔRMSa + 25.2ATa – 42.2      (1) 

ETANI Takahide

A study was conducted to investigate words related to groove, the acoustical characteristics related to groove, and to suggest a model formula representing the relationship between the rating of groove and the acoustical characteristics. 

First, stimuli were recorded as played by six percussionists and drummers. For the recordings, ride　cymbal was used, and the performers were asked to play 64 times at (including?) five various tempos. Before playing, the tempo was presented for 20 seconds by metronome, whereas no metronomic guidance was provided during the recording. After the recording session, the middle 32 attacks were extracted, and the average of interonset-interval (IOI), standard deviation of IOI, the average of IOI-variation, the standard deviation of IOI-variation, the average of amplitude-variation, the standard deviation of amplitude-variation, the average of attack time, the standard deviation of attack time, and the spectral centroid of each stimulus were extracted. (This list is probably too long, but I wouldn’t worry about it.) 

Then, assessment terms for evaluating temporal aspects of music were elicited by conducting experiments using a method based on the Repertory Grid Technique. The recorded isochronous playings were used as stimuli. As a result, six pairs of “fast – slow”, “light – heavy”, “wavy – not wavy”, “rhythm is steady – rhythm is not steady”, “human – machinery”, “tempo is steady – tempo is not steady” were elicited as assessment terms. 

An evaluation experiment based on the Semantic Differential method was conducted using eight assessment terms including the six terms stated above, to investigate words related to groove. As a result, “like – dislike” had the strongest correlation with “groovy – not groovy“, followed by “wavy – not wavy”, and “human – machinery”. Therefore, groove could be explained as something wavy and human, and it could be said that people tend to like performances with groove. 

Lastly, multiple regression analysis was conducted using the previous data to investigate the relationship between groove and acoustical characteristics and to provide a model formula representing the relationship between groove rating and acoustical characteristics. As a result, the standard deviation of IOI, the average of Il-variation, and the average of amplitude variation significantly contributed to the groove rating. Furthermore, the following model formula was provided, in which y represents the groove rating (one point to sevenpoints), IOIsd represents the standard deviation of Φsd, ΔΦa represents the average of IOI-variation, ΔRMSa represents the average of amplitude-ratio, and ATa represents the average of attack time. 

y =  -48.5Φsd + 30.3ΔΦa – 13.9ΔRMSa + 25.2ATa – 42.2　　 (2) 

上水樽 力
スコット・ブラッドリーのアニメーション音楽創作技法研究

スコット・ブラッドリーは、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー社のアニメーション映画作品のための伴奏音楽で知られる作曲家である。彼の創作技法は1928年の《蒸気船ウィリー》以降、アメリカにおけるカートゥーン・アニメーション界で流行したミュージカルスタイルの延長線上にあるものであり、音楽と映像は厳密に同期されている。それでいて音楽としての統一感を失うことはなく、このスタイルの一つの到達点に位置するものだ。本論文は、作曲技法の滑稽さや暴力性に焦点の当てられやすい彼の創作技法を、全体の構成というマクロな視点から読み解くことを目的としたものである。

スコット・ブラッドリーの作曲理念は、アニメーション音楽を芸術的に高め、交響詩的構成を実現することにあった。彼のキャリアの始めにあたる、1930年代のアニメーションは既存のポップソングやクラシックなど、映像と関連づいた音楽のメドレーに過ぎなかった。これは決して創造意欲に満ちたものではなかったが、スコット・ブラッドリーの映像への創作技法はここに端を発するものであり、彼が交響詩的な要素をここに見出していた可能性を見逃すことはできない。スコット・ブラッドリーの著作は、アニメーション音楽へ抱いていた芸術的理念を実際に明らかにするものであり、コンサート作品Cartoonia》の分析を通じてその交響詩的発想を伺うことができる。この交響詩的発想は、アニメーション作品にも根底で通じるものであり、特に《PussGetstheBoot》などの映像作品に顕著である。
　
ただし彼の交響詩的発想は、1930年代の初期のアニメーションの情緒的なスタイルにおいてのみ有用なものであり、1940年以降の暴力的かつ滑稽さを求める「反撃と報復」のスタイルによるアニメーションには適合しないものであった。このスタイルの変化に追従するべく、彼は独自の作曲技法「ショック・コード」を生み出した。これは音楽的発想に基づき、効果音や映像的事柄をオーケストラの音色を用いて実現する作曲技法であり、同時代の芸術音楽と強く結びつき発展させられた。先行研究においては、この技法が実現した描写的表現の内容に主に焦点が当てられてきたが、私はこの技法の独立性に着目し、交響詩的スタイルを発展させるための新たな主題法としてこれを検証した。実際に彼の用いた十二音技法などの同時代的作曲技法の中には、主題として意味を持たされている側面があることが明らかになり、これは「ショック・コード」が描写的手法としてのみならずブラッドリーの交響詩的表現を拡張する手段として機能した可能性を示唆するものである。

UEMIZUTARU Chikara
Study of Composing Methods of Scott Bradley for Animation Music

Scott Bradley was a composer who is known for the cartoon animation music of Metro Goldwin Mayer. His composing methods followed as an extension of Musical-styled animation that had been the fashion of American cartoon animation music since “Steamboat Willie” was released, and his methods marked the climax of this style. Not only is the soundtrack strictly synchronized with the animation, but is also always under control. The purpose of this thesis is to reveal his methods from a macro perspective of his music, because his music is often analyzed from the point of view of micro composition methods for humor and violence.

The composing idea of Scott Bradley was to improve animation music as art music, and to realize this idea by composing animation music in the style of the symphonic poem. Cartoon animation music of the 1930’s was a medley of pop song and classical music which was related to elements of the animation. It does not mean this composition style was very creative, but it is important that his career of composition began in this style, and that he might have found elements of the symphonic poem form. His production shows his artistic ideas for animation music, and we can discover that by analyzing his concert piece, “Cartoonia”. This idea of symphonic poem style is applied to his animation music, especially the music for “Puss Gets the Boot”.

However his idea of symphonic poem is only applicable for the lyric animation style of 1930’s, because of the later need for humor and violence. In the animation of the 1940’s, it is not applicable. To follow this style of animation, Bradley devised a composing technique named “Shock Chord”. This is a technique that produces sounds that imitate sound effects and action by using instruments. It developed in relationships to composition technique of art music of the same period. Most previous studies analyze this technique only as a descriptive technique, but I focus on the independence of this technique, and analyze it as element that can work as a theme in music. In fact, this thesis shows that twelve-tone scale and other contemporary techniques of composition which he used seem to be themes or motives in the animation music. This fact suggests that “Shock Chord” was used not only for descriptive technique, but also to extend his idea of the symphonic poem style.

平井 快武
鍵盤楽器における自動演奏・自動伴奏機能について

紀元前から今日に至るまで、さまざまな形態の自動演奏楽器が開発されてきた。そのうちの多くは鍵盤楽器である。指も触れていない沢山の鍵盤がひとりでに動きだし、音楽を奏でる。それはまるで魔法のような機械であり、またレコードやCDといった音声記録媒体が登場する以前から活躍していた音楽再生装置でもあった。

20世紀に入ると、電気楽器・電子楽器の登場やデジタル技術の発展により、自動演奏は「自動伴奏」という新たな段階を手に入れる。これは、自動演奏を単純な音楽再生としてだけではなく、人間の生演奏と同期する機能を取り入れたシステムである。特にコンピューター・プログラムの発展以降、自動伴奏は高度な機能を持つようになり、最新の技術を取り入れた自動伴奏機能は、現在でも新しく開発され続けている。

本論文ではそれらの歴史に目を向け、それらの機能がどのような用途で用いられてきたかを再確認する。そして、今後さらにどのような発展の可能性があるかを考察する。

HIRAI Yasutake
About Automatic performance & accompaniment of Keyboard instruments

Ever since BC, there are various kinds of automatic performance instruments being developed. The most of them are keyboard instruments. Without any finger touch, the keyboard is able to action and play music automatically. They look like magical machines and they began playing the role of music playback apparatuses before other sound recording apparatus such as records and CDs.

In the 20th century, with the development of electric or electronic musical instruments, automatic performance had carried a stage further to a new position which called “automatic accompaniment”. This is a system that can not only simply playback music, but also can synchronize with human live performance. Particularly after the development of computer programs, automatic accompaniment has been improved a lot with high level functions. In addition, currently new automatic accompaniment function which is characterized with the newest technology is under development.

This paper is aiming on turning our concentration towards those histories and showing how those functions have been used until now. Furthermore, as far as I’m concerned, it is essential to study whether there is any future development possibility in it as well.

朴 炫熙
作曲技法としてのソニフィケーション

ソニフィケーション(sonification)とは、ある情報を、体系的・客観的で再現可能なシステムの中で作られた非言語的な音として表し、理解することである。しかし、現在、急速に成長している分野だからこそ、さまざまな理論と仮説が乱立している。近年、ソニフィケーションの技術の急速な発展に伴い、その科学的方法論と理論的概念が、さまざまな関連分野で使用されている。そして、音楽も例外ではない。電子音響音楽(electroacousticmusic)の分野では、ソニフィケーションを積極的に受け入れる作曲家と作品が増えている。このような状況で、なぜソニフィケーションが音楽に、あるいは音楽がソニフィケーションに適用されなければならないのか、両者の間にどのような重要な関係があるのか、疑問が持ち上がるのは当然であろう。このふたつの文化現象の融合は、互いの核心要素に重要な課題を提起するため、ソニフィケーションと音楽との関係を、単に互いに共通して使用する技術のみを通じて理解することは、建設的なアプローチとは言えない。

本論文では、ソニフィケーションと音楽との関係を理論と実践の両側面から検討する。また、ソニフィケーションに関する多層的理解のために、歴史、定義、理論、技術などの観点から、過去の研究を整理し、新たな美学的・規範的フレームワークを提示して、事例をもとにソニフィケーションと音楽との関係を深層的に考察する。

PARK Hyeonhee
Sonification As Compositional Technique

Sonification is a systematic, objective, and reproducible system that interprets some information via a non-speech acoustic signal. As the field develops rapidly, diverse theories and hypotheses are emerging without general agreement. In addition, its scientific methodologies and theoretical concepts are growing in their application to related disciplines including music. Particularly in the field of electroacoustic music, composers are increasingly adopting sonification into their works. One then might question what significant relations there exist between sonification and music and why sonification needs to be (or can be) applied to music and vice versa. It would not be a constructive answer to reduce the amalgamation of the two cultural phenomena to mere shared technologies.

Therefore, in this thesis, we investigate the relationship between sonification and music from both theoretical and empirical perspectives. To better understand the multi-faceted field, we overview the past studies on sonification in terms of its history, definition, theory, and technology and establish a working aesthetic framework, based on which important instances of sonification-music and musical sonification are examined.

芳澤 奏
自動演奏ピアノの作曲技法への影響
ーナンカロウを中心にー

本論文では自動演奏ピアノが作曲技法に与えた影響を考察する。それにあたり独自の技法を用い自動演奏ピアノのための作品を50曲以上残したコンロン・ナンカロウを中心に、自動演奏ピアノにおいて生み出された創作技法を探る。そしてナンカロウの影響を受けて作曲されたジョルジュ・リゲティ作曲の《ピアノ練習曲》を分析し、自動演奏ピアノの作曲技法への影響を検証する。
　第1章では、自動演奏ピアノについて述べる。20世紀初頭にアメリカやヨーロッパを中心に爆発的な人気を見せた自動演奏ピアノは1920年代には様々な理由から急速に衰退している。演奏の再現性が非常に高まってきた自動演奏ピアノの構造と、その歴史的背景、20世紀初頭の社会における自動演奏ピアノの役割を検証する。

第2章では20世紀に活躍したストラヴィンスキーとアンタイルの自動演奏ピアノの作品の考察、そしてドナウェッシンゲンにおいてはヒンデミットやトッホを中心とした作曲家たちが模索した機械音楽の可能性を検証する。この時代に初めて自動演奏ピアノという楽器のために作曲するという革新的な思想が生まれており、機械と音楽の関わり方において重要な提言だったと考えることができる。

第3章ではコンロン・ナンカロウの作品について考察する。ナンカロウの自動演奏ピアノのための作品を分析する。ナンカロウの創作技法は他にない独特のものだった。徹底したカノンの技法やポリテンポの技法を始め、彼にとっては自身で行うピアノロールへの穿孔も創作において大事な過程であった。人間を排除し、極度に個人的に行われたナンカロウの創作によって、今までのピアノにはなかった新しい可能性が提示されている。

第4章では、ナンカロウから影響を受けて作曲されたリゲティ作曲《ピアノ練習曲》を分析する。リゲティはナンカロウの作品からピアノという楽器の新しい可能性を感じ、《ピアノ練習曲》という歴史に準じながらも革新的なピアノ技法を取り入れた作品を作曲した。リゲティが求めた音楽は自動演奏ピアノでは表現できない音楽であり、人の演奏の可能性を最大限に活かした音楽だったということができる。

自動演奏ピアノのが作曲技法に与えた影響として最も重要な点は、ピアノの可能性を広げた点である。演奏者を排した音楽を作曲することでピアノそのものの可能性を提示した。新しい楽器を音楽に取り入れる時、今までの技法から推し進めるのではなく、その楽器そのものの可能性に注目した作品が生み出す必要があると考えている。それにより新しい発想が生まれ、その作品が後世の作曲家に影響を与えていくのではないだろうか。

YOSHIZAWA Kana
Influence of player piano upon compositional technique with a focus on Nancarrow

The purpose of this thesis is to examine the technical influences of the player piano upon compositional concepts in piano music. This study will review works for player piano from a compositional viewpoint, mainly by analyzing works composed by Nancarrow, who composed more than 50 pieces for the instrument. In addition, through analyzing György Ligeti’ s Études for Piano, I will provide a study of Nancarrow’ s influence on other contemporary classical music composers.

Chapter 1 will be primarily concerned with the player piano instrument itself. In the early 20th century, the player piano garnered a huge amount of popularity in America and Europe ; due to several reasons, however, it rapidly went out of vogue in the 1920s. In this chapter, I will survey not only the instrumental structure and technological development of the player piano, but also its historical role in the Western music society of the period.

Chapter 2 will be an inspection of early works for player piano in the early 20th century written by Igor Stravinsky, George Antheil, Ernst Toch, and Paul Hindemith. It should be noted that the relationship between music and technology dramatically changed as the aforementioned composers began introducing the player piano into their own works during this period.

In Chapter 3, I will review new possibilities in compositional technique by analyzing Nancarrow’ s player piano pieces written in his unique, canonic and polyrhythmic musical language; that which goes beyond the performer’ s physical limit.

Chapter 4 will contain an analysis of Ligeti’ s Études for Piano, composed as a result of influences from Nancarrow’s compositions. Ligeti found not only new possibilities for the piano through Nancarrow’s music, but also, he succeeded in creating new music utilizing maximal human physical ability – in other words, that which overcame the limit of a traditional performer.

Every time composers introduce a new instrument into their works, the technical and technological aspect of the instrument affects their artistic language. The possibilities of the player piano also stimulated a large number of musicians and urged composers to create new music with unique techniques that broke with the long tradition of classical contemporary music.