東京藝術大学 大学院 音楽音響創造

朴 炫熙
作曲技法としてのソニフィケーション

ソニフィケーション(sonification)とは、ある情報を、体系的・客観的で再現可能なシステムの中で作られた非言語的な音として表し、理解することである。しかし、現在、急速に成長している分野だからこそ、さまざまな理論と仮説が乱立している。近年、ソニフィケーションの技術の急速な発展に伴い、その科学的方法論と理論的概念が、さまざまな関連分野で使用されている。そして、音楽も例外ではない。電子音響音楽(electroacousticmusic)の分野では、ソニフィケーションを積極的に受け入れる作曲家と作品が増えている。このような状況で、なぜソニフィケーションが音楽に、あるいは音楽がソニフィケーションに適用されなければならないのか、両者の間にどのような重要な関係があるのか、疑問が持ち上がるのは当然であろう。このふたつの文化現象の融合は、互いの核心要素に重要な課題を提起するため、ソニフィケーションと音楽との関係を、単に互いに共通して使用する技術のみを通じて理解することは、建設的なアプローチとは言えない。

本論文では、ソニフィケーションと音楽との関係を理論と実践の両側面から検討する。また、ソニフィケーションに関する多層的理解のために、歴史、定義、理論、技術などの観点から、過去の研究を整理し、新たな美学的・規範的フレームワークを提示して、事例をもとにソニフィケーションと音楽との関係を深層的に考察する。

PARK Hyeonhee
Sonification As Compositional Technique

Sonification is a systematic, objective, and reproducible system that interprets some information via a non-speech acoustic signal. As the field develops rapidly, diverse theories and hypotheses are emerging without general agreement. In addition, its scientific methodologies and theoretical concepts are growing in their application to related disciplines including music. Particularly in the field of electroacoustic music, composers are increasingly adopting sonification into their works. One then might question what significant relations there exist between sonification and music and why sonification needs to be (or can be) applied to music and vice versa. It would not be a constructive answer to reduce the amalgamation of the two cultural phenomena to mere shared technologies.

Therefore, in this thesis, we investigate the relationship between sonification and music from both theoretical and empirical perspectives. To better understand the multi-faceted field, we overview the past studies on sonification in terms of its history, definition, theory, and technology and establish a working aesthetic framework, based on which important instances of sonification-music and musical sonification are examined.

芳澤 奏
自動演奏ピアノの作曲技法への影響
ーナンカロウを中心にー

本論文では自動演奏ピアノが作曲技法に与えた影響を考察する。それにあたり独自の技法を用い自動演奏ピアノのための作品を50曲以上残したコンロン・ナンカロウを中心に、自動演奏ピアノにおいて生み出された創作技法を探る。そしてナンカロウの影響を受けて作曲されたジョルジュ・リゲティ作曲の《ピアノ練習曲》を分析し、自動演奏ピアノの作曲技法への影響を検証する。
　第1章では、自動演奏ピアノについて述べる。20世紀初頭にアメリカやヨーロッパを中心に爆発的な人気を見せた自動演奏ピアノは1920年代には様々な理由から急速に衰退している。演奏の再現性が非常に高まってきた自動演奏ピアノの構造と、その歴史的背景、20世紀初頭の社会における自動演奏ピアノの役割を検証する。

第2章では20世紀に活躍したストラヴィンスキーとアンタイルの自動演奏ピアノの作品の考察、そしてドナウェッシンゲンにおいてはヒンデミットやトッホを中心とした作曲家たちが模索した機械音楽の可能性を検証する。この時代に初めて自動演奏ピアノという楽器のために作曲するという革新的な思想が生まれており、機械と音楽の関わり方において重要な提言だったと考えることができる。

第3章ではコンロン・ナンカロウの作品について考察する。ナンカロウの自動演奏ピアノのための作品を分析する。ナンカロウの創作技法は他にない独特のものだった。徹底したカノンの技法やポリテンポの技法を始め、彼にとっては自身で行うピアノロールへの穿孔も創作において大事な過程であった。人間を排除し、極度に個人的に行われたナンカロウの創作によって、今までのピアノにはなかった新しい可能性が提示されている。

第4章では、ナンカロウから影響を受けて作曲されたリゲティ作曲《ピアノ練習曲》を分析する。リゲティはナンカロウの作品からピアノという楽器の新しい可能性を感じ、《ピアノ練習曲》という歴史に準じながらも革新的なピアノ技法を取り入れた作品を作曲した。リゲティが求めた音楽は自動演奏ピアノでは表現できない音楽であり、人の演奏の可能性を最大限に活かした音楽だったということができる。

自動演奏ピアノのが作曲技法に与えた影響として最も重要な点は、ピアノの可能性を広げた点である。演奏者を排した音楽を作曲することでピアノそのものの可能性を提示した。新しい楽器を音楽に取り入れる時、今までの技法から推し進めるのではなく、その楽器そのものの可能性に注目した作品が生み出す必要があると考えている。それにより新しい発想が生まれ、その作品が後世の作曲家に影響を与えていくのではないだろうか。

YOSHIZAWA Kana
Influence of player piano upon compositional technique with a focus on Nancarrow

The purpose of this thesis is to examine the technical influences of the player piano upon compositional concepts in piano music. This study will review works for player piano from a compositional viewpoint, mainly by analyzing works composed by Nancarrow, who composed more than 50 pieces for the instrument. In addition, through analyzing György Ligeti’ s Études for Piano, I will provide a study of Nancarrow’ s influence on other contemporary classical music composers.

Chapter 1 will be primarily concerned with the player piano instrument itself. In the early 20th century, the player piano garnered a huge amount of popularity in America and Europe ; due to several reasons, however, it rapidly went out of vogue in the 1920s. In this chapter, I will survey not only the instrumental structure and technological development of the player piano, but also its historical role in the Western music society of the period.

Chapter 2 will be an inspection of early works for player piano in the early 20th century written by Igor Stravinsky, George Antheil, Ernst Toch, and Paul Hindemith. It should be noted that the relationship between music and technology dramatically changed as the aforementioned composers began introducing the player piano into their own works during this period.

In Chapter 3, I will review new possibilities in compositional technique by analyzing Nancarrow’ s player piano pieces written in his unique, canonic and polyrhythmic musical language; that which goes beyond the performer’ s physical limit.

Chapter 4 will contain an analysis of Ligeti’ s Études for Piano, composed as a result of influences from Nancarrow’s compositions. Ligeti found not only new possibilities for the piano through Nancarrow’s music, but also, he succeeded in creating new music utilizing maximal human physical ability – in other words, that which overcame the limit of a traditional performer.

Every time composers introduce a new instrument into their works, the technical and technological aspect of the instrument affects their artistic language. The possibilities of the player piano also stimulated a large number of musicians and urged composers to create new music with unique techniques that broke with the long tradition of classical contemporary music.

砂川 真理子
中学校音楽科「創作」におけるインタラクティブシステムについて

次期学習指導要領改訂に向けた論点整理によると、「わが国の子どもは学習したことを活用し、様々な課題の解決に生かしていくことに課題がある」との指摘が挙げられている。さらに、「子供が自らの力を育み、自ら能力を引き出し、主体的に判断し行動するまでに必ずしも十分に達しているとは言えない」との見方もある。

こうした中で音楽科における課題としては、子どもたちが感性を働かせ、他者と協働しながら音楽表現を生み出したり音楽を聴いてそのよさや価値等を考えたりしていくこと、わが国や郷土の伝統音楽に親しみ、よさを一層味わえるようにしていくこと、生活や社会における音や音楽の働き、音楽文化についての関心や理解を深めていくことについて、さらなる充実が求められるところであるとされている。これまでにも音楽科においても他者とのコミュニケーションを図るための授業の工夫は重要視されてきた。しかし、次期学習指導要領では他者との「協働」の中で音楽表現を生み出すことの必要性が説かれており、音楽を聴いてそのよさや価値等を考えていくことは、論理的思考が求められるところでもある。これらはそれぞれ、21世紀の社会を生き抜くために必要とされるスキルの一つとして定義されており、その育成を意識したものと考えられる。このように21世紀における知識基盤型社会に合わせた資質・能力の育成が喫緊の課題となっている。

本論文の目的は、中学校音楽科における創作活動をより効果的に行うためのインタラクティブシステムについて考察し、その有用性について検証するものである。本研究の意義は、インタラクティブシステムを用いた音楽づくりないし創作の授業が、21世紀型スキルやプログラミング的思考を育むために適した学習であるという観点より明らかにすることである。

第1章の目的は、ICT(InformationandCommunicationTechnology)教材を用いた授業を先行研究として、どのようなICT教材がどのような分野・目的で使われており、どのような結果や課題を残してきたのかを明らかにする。まず、先行研究に用いられているICT教材の特徴とその役割について概観し、ICT教材と授業との関連性、現在の課題について分析する。第2章では、独自に開発されたインタラクティブシステム『ナリグラム』を用いたワークショップの実践例である「CAMPナリグラムワークショップ」について概観する。さらに学校で行われる音楽教育との相違点について明らかにし、授業実践へとつなげていく。

第3章、第4章の目的は、第3章において実装・制作したインタラクティブシステム『オトメロ』を用いた授業がどのような成果となるかを具体的に明らかにすることである。筆者が構想・実践した中学2年生、3年生の音楽実践授業より判明したインタラクティブシステムの有用性と課題を明らかにする。そして分析結果を第1章、第2章との先行研究と照合し、終章につなげることとした。

音楽科教科目標達成に関するインタラクティブシステムの有用性とは二点挙げられる。一点目はインタラクティブシステムの授業との関係性である。インタラクティブシステムとは、授業の中で最大限のパフォーマンスを発揮するシステムのことであり、その背景には、新しい時代に必要となる資質・能力育成の形として提案されているアクティブ・ラーニング型授業や、アクティブ・ラーニング型授業の一つである反転授業がある。こうした授業体系の変化に合わせたインタラクティブシステムは、新たな教材となり得る可能性がある。二点目は、21世紀型スキルや3本の柱に挙げられる能力を育成するシステムが内包されているという点である。「思考力・判断力・表現力等」を育成するために用いられる教材の一つとして、インタラクティブシステムが挙げられると考えられる。

このように従来型の教材で培われた知識を活用し、思考や表現につなげていくことができる教材の形として、今後インタラクティブシステムは大きな役割を果たしていくことが予想される。

SUNAGAWA Mariko
Concerning Interactive Systems Used For ‘Creation’ in Junior High School Music Departments

According to some points of issue for the revision of the jiki gakushu shido yoūryo (次期学習指導要領 “outline of the next course guidelines”), it is pointed out that there is a problem in utilizing learned things when making use of them to solve various problems. In addition, there is a view that it is not always said that children have sufficiently reached their capacity by nurturing their own power, drawing out their abilities and making judgments and acting on their own initiative.”

Amongst the music department, there are required tasks such as working on sensitivity, creating musical expression during collaboration with others, listening to music in order to think about its value and merit, and encouraging familiarity with the local and traditional music of our country. It is said that further enhancement is required for improving familiarity and enjoyability, deepening interests and understanding about music and music culture in daily life and society. In the music department up until recent times, the ingenuity of classroom lessons that promote communication with others has been regarded as important.

However, the jiki gakushū shido youryo teach the necessity of creating musical expression in “collaboration” with other people, and that it is logical to think about its value and merit by listening to music; this is an area that requires further consideration. These are defined as some of the skills required to survive the society of the 21st century, and it seems that the students are conscious of this training. In this way it is apparent that the development of qualities and abilities in accordance with a knowledge based society in the 21st century is a pressing issue.

The purpose of this paper is to examine interactive systems utilized for more effective creative activities in the junior high school music department and to verify their usefulness. The significance of this research is to clarify the viewpoint that music creation or creative lessons using interactive systems are suitable in learning to foster 21st century-type skills and programming thought.

The aim of Chapter 1 is to clarify what kinds of ICT (Information and Communication　Technology) teaching materials are used in what field and purpose and what kind of results and issues have been left out in prior studies of lessons that use ICT teaching materials. Firstly, I will outline the features and roles of the ICT teaching materials used in previous research, and analyze the relevance between ICT teaching materials and classroom lessons, in addition to their current issues. In chapter 2, I will outline the “CAMP Narigram Workshop”, which is a practical example of a workshop using the proprietary interactive system “Narigram”. Furthermore, I will clarify the differences found in school music education and tie them to lesson practice.

The purpose of chapter 3 and chapter 4 is to clarify concretely what kind of outcome lessons using the interactive system “Otomero’, implemented and produced in chapter 3, will bring. I will clarify the usefulness as well as the problems inherent the system, deduced by conceiving and conducting a music practice class with junior high school second and third graders. Concurrently, I have decided to collate the analysis results with previous research in chapter 1 and 2, in order to lead to the final chapter.

Two points can be cited as showing the usefulness of interactive systems upon achievement of the subject of Music Science. The first point is the relationship between the lesson and the interactive system. An interactive system is a system that demonstrates maximum performance in the lesson; behind it is active learning – that which is proposed as a form of qualification and capacity building necessary for a new era – alongside a “slipped classroom”, which is one of the active learning-type lessons. There is a possibility that an interactive system that adapts to such changes in the lesson system can be a used as a new teaching material. The second point is that a system can be included in nurturing 21st century-type skills and the abilities listed in the three pillars”: as one of the teaching materials used to train “thinking ability, judgment ability, expression power, etc.”, it is considered that an interactive system can be cited.

It is expected that interactive systems will play a major role as a form of teaching material, that can utilize the knowledge cultivated in traditional teaching materials and lead to further thought and expression as described above.

岡本 悠
ピアノ演奏のフレージングにおける階層構造と奏者の意図の実現手法について

音楽演奏は、演奏者の表現によって大きく異なるものである。本論文では、ピアノ演奏における演奏表現のひとつであるフレージング表現とその手法について議論する。本論文の焦点は、フレージングの大きさによるフレージング手法の使い方、フレージング手法が階層構造をもつか否か、そしてフレージング手法とテンポと音量の関係である。

本論文では2つの実験が行われた。実験1は、フレージング手法を分析するためにMIDIデータを演奏することが目的であった。6人のピアニストが2曲を3種のフレージング、すなわち「長いフレージングの演奏」「中くらいのフレージングの演奏」「短いフレージングの演奏」で演奏した。その時、各演奏者は演奏時に意図したフレージング構造を報告した。記録した楽曲は、J.S.Bach《平均律クラヴィーア曲集第1巻第1番プレリュードBWV846》とW.A.Mozart《ピアノソナタK.331》であった。実験2は、記録された演奏が演奏者が意図したフレージング構造を十分に表現しているかを確認することが目的であった。演奏者は記録された全ての演奏を提示され、演奏者に意図されたフレージング構造を推定した。

実験1の分析では、まず、記録された演奏からsIOIとvelocityを算出し、次に演奏者の意図したフレージングとsIONとvelocityの外れ値を参考に演奏のグラフを観察した。その結果、次のことが分かった。1つ目に、テンポと音量が上がっていき頂点に達した後下がっていく手法である「山型」の手法は、全演奏の全フレージング中、6箇所のみに見られた。また、sIOIまたはvelocityが単独して山型の変化をする箇所も見られたが、これはフレージング以外の表現によるものだと考えられた。2つ目に、フレージングとフレージングの間に時間的隙関を入れる手法である「間型」は、短いフレージング以外の演奏で頻繁に見られた。また、僅かな間ではフレージング構造が表現され、大きな間では楽曲構造が表現される可能性が示唆された。3つ目に、フレージングの開始音にアクセントがある手法である「強勢型」の手法は見られなかったが、前の音との音量差をつける手法は見られた。後者の型は、単純な楽曲構造の表現手法であり、楽曲によっては演奏者に固有の表現であると推測された。最後に、階層構造の有無を調べたところ、奏者の意図したフレージング構造には階層構造が見られたが、実際の演奏にはその階層構造が見られないとわかった。

実験2で得られた、各演奏に対するフレージングの回答は4つに分類された(正答回答、区切り誤答、短い誤答、長い誤答)。それらの回答の分析として、それぞれの回答が占める、様々な割合の算出と、各演奏刺激に対する多数派回答による刺激の分類が行われた。

まず、本実験の目的、すなわち意図したフレージングが実現されていたかを検証した。分析の結果、意図したフレージングの正答回答率は半分であったが示された。このことから、記録された演奏の半分において、演奏時に意図されたフレージングが実現されていたことがわかった。

つぎに、意図が理解された演奏と理解されなかった演奏における手法の違いを調べることを目的に、全てのフレージングの切れ目における外れ値の一致率に対して3要因(楽曲の種類、演奏の種類、理解された演奏か理解されなかった演奏か)の分散分析を行った。その結果、有意差はみられなかった。このことから、両者の演奏の間に一致率の違いはなかったといえる。両者の演奏の差異に関する更なる調査は今後の課題とする。

以上のように、3つのフレージング手法については、従来言われてきた手法の中では「間型」のみが見られ、単純な楽曲構造との表現とフレージング表現の手法が分けられる可能性が示唆された。また、フレージング表現の意図が正確に聴取される演奏は半分であり、意図が理解された演奏とそうでない演奏における手法の差は、外れ値とフレージング区切りとの一致率ではないことが分かった。この差を生む手法がなにかと、本論文で見られたその他の傾向に関しては今後の課題とする。また、本論文では、観察や分類を主として分析を進めたため、定量的な分析は行えなかった。本実験で得られた傾向の定量的分析も今後の課題である。

OKAMOTO Yu

This paper discusses about phrasing expression and the methods, which is one of the performance expressions in piano. The foci of this study is on the use of the phrasing methods depending on the size of phrasing, whether phrasing method has hierarchical structure, and the relationship between tempo, velocity, and phrasing method. The study included two experiments. Experiment 1 was aimed at recording MIDI data for analyzing the phrasing methods. Six pianists played two pieces each in three phrasing types, namely “Iong,” “middle” and “short” phrasings, and were captured as MIDI sequences. Then, cach performer reported the intended phrasings when performance were done. The recorded pieces were J. S. Bach “Prelude No.1 in C major, BWV846, in The Well-Tempered Clavier, Book I” and W. A. Mozart “Piano Sonata No.11 in A major, K.331.” Experiment 2 was aimed to confirm that recorded performances sufficiently express performer’s intended phrasings. There, performers were presented with all recorded performances, and instructed to estimate the phrasings intended by the performer.

On experiment 1, analyses were started with calculating siOI and velocity from the recorded performance. Observations of the plotted graphs were done with performer’s intended phrasings and outliers in sIOI and velocity. As a result, the followings were found. First, “ridged shape” phrasing method that both tempo and velocity rises and drops gradually centering at the peak was observed only six times in all phrasings of all performances. The ridge method of tempo or velocity alone were also observed, but this method were considered to be used for expression other than phrasing. Secondly, “gap” method that a temporal gap is placed between two consecutive phrasings. This method was frequently observed in recorded performances except for the short phrasing performances. And, it was suggested that a short gap expresses intended phrasing and that a long gap expresses a large musical structure. Thirdly, “stress” method that an accent is applied at the beginning of a phrasing were not observed. However, a method that applying a velocity difference between the end of one phrasing and the beginning of the next phrasing was observed. The latter method scems to express a simple musical structure and be expression peculiar to the performer depending on the piece. From further analysis on whether the hierarchical structure was expressed, it was found that the performer’s intended phrasing had hierarchical structure but the performances did not.

In the analyses of experiment 2, the responses were divided into four categories, and calculations of various response proportions and classification of stimuli were done based on observations of the majority of responses. As the first result, only a half of answers was correctly answered their intended phrasings. From this, it was discovered that a half of the recorded performances accurately expressed the intended phrasings. Next, in order to clarify whether there is a difference in the phrasing methods between the phrasings that were correctly estimated and not, three-way analysis of variance was done on the hit/miss ratio of the sIOI outliers against the total number of the intended phrasings in each performances. As a result, there were no significant differences. From this, it was concluded that there was no significant difference in the hit/miss ratio between performances. Further investigation on the differences between the correct and incorrect estimation of the phrasings is necessary.

Among the three phrasing methods in the experiment 1, only the “gap” type was observed, and it is suggesting the possibility of dividing the methods between two expressions of simple musical structure and phrasings. In addition, it was found that the performances in which the intended phrasings was accurately perceived was about a half, and that the difference in the method in which the intended phrasing were estimated or not was not the hit/miss rate between the outlier and the intended phasing. A method that makes that difference and a verification of other trends seen in this study are left for the future studies. In this study, analysis was done mainly by observation and classification and quantitative analyses were not done. Thus, this is also included in the further investigation tasks.

久保 暖
動的システムに基づくルールベースの音楽

本論文は、五線紙に記入された情報ではなく演奏上のルールによって音楽が進行する作品と、コンピュータープログラムによって音楽の進行を制御する作品の相違点について論じたものである。

第1章では、20世紀中葉に書かれたルールによって進行する音楽の作品例に触れ、その特徴を明確化し、作曲家ごとに用いられた手法を分類した。第2章では、コンピューターの音楽への参入の経緯とそれによって生まれた形態を概説し、本論文のテーマに含まれる演奏を制御する「システム」について解説を行った。第3章では、ルールによって進行する音楽にコンピューターが参入する作品の例を取り上げ、コンピューターの参入によってもたらされたそれ以前の作品との相違点について考察した。第4章では、第3章までに挙げられた技法の特性を整理し、自身の作品制作によるアプローチを行い、コンピューターの制御を伴うルールによって進行する音楽作品の発展の可能性と課題について論じた。これによって得られた結論は以下の通りである。

ルールによって進行する楽曲では、ゲーム理論のような論理演算を人間が処理する「過程」が音楽となってあらわれる。このような演算処理をモデル化し、コンピューターに応用することで、より複雑な相互作用を引き起こすことができる。また、コンピューターを媒介として音楽以外の分野の概念を音楽に適用することが可能になる。これは、音楽の制作技法や音楽自体の捉え方に新たなパラダイムをもたらす糸口になったと考えられる。

KUBO Dan
Rule-Oriented Music Based on Dynamic Systems

This thesis discusses the difference between work in which music progresses not by information
written on a score but by certain rules within performance, and work which controls the progress of the music via a computer program.

In Chapter 1, I will discuss examples of music works written during the 20th century that progress according to rule-based systems, clarify their characteristics, and categorize the compositional methods used by each composer. In Chapter 2, I will outline the process by which computer music was first introduced, as well as various forms that were born by it, and explain “systems” which control performance, a topic that this thesis is primarily concerned with. In Chapter 3, I will discuss an example of a work that uses a computer to progress the music via a set of rules, and examine differences from previous work that adopt computers. In Chapter 4, I will organize the characteristics of the various techniques listed in Chapter 3, utilizing an approach based on my own works, and discuss the possibilities and challenges of the development of musical works that adopt rules involving computer control, The conclusions obtained by this investigation are as follows.

In music that progresses according to rules, “processes” wherein humans process certain logic operations, such as game theory, appear as music. By modelling this kind of arithmetic processing and applying it to a computer, more complicated interaction can be implemented. In addition, it becomes possible to apply the concept of fields outside of music to music, via computer mediation. This can be considered as a hint as to how to bring new paradigms to music production techniques, and how to perceive music itself.