東京藝術大学 大学院 音楽音響創造

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修士論文：関連記事

2019年7月3日（水）

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要旨

クルシエスキ・ルイス・フィルナンド
映像の画角と直接音/残響音比率の違いが“距離感”と“ふさわしさ”に与える影響ついて

音響の分野において、空間の知覚に関する研究は多くなされている。視覚は空間を知覚するために重要な情報を持っているが、視覚と聴覚の対応に関する研究は少ない。

本論文では空間の知覚に置ける視覚と聴覚の関係について調査を行なった。実験では、クロマキーを用いて、同じサクソフォン奏者の演奏から3種類の異なる映像(動画)を作成した。また音源からの距離が異なるインパルス応答を録音し、響きの少ない部屋で録音したサクソフォンの演奏を畳み込んだ。

これらの刺激を用いて2つの実験を行なった。最初の実験では被験者は映像を見ながらそれにふさわしい直接音/残響音比率で(D/R)を調節した。2つ目の実験では、3種類のフレームの映像と、音源からの距離の異なる3種類の残響音を組み合わせて一対比較をおこなった。被験者は2つの刺激を比較して「どちらが演奏者との距離感がより遠いか」、また「どちらが映像に対してふさわしいと思うか」を5段階で評価した。

D/R評価実験の結果から全体的な残響音のレベルは被験者の好みによって調節されたが、映像の違いによる残響音のレベルは被験者ごとに同じような傾向がみられ、共通した影響があることが分かった。

また一対比較では、距離感の印象は映像内の演奏者の大きさによって決まることが分かった。またそれぞれの画角において残響音の違いも距離感に影響を及ぼす。また映像内の演奏者の大きさは同じでも、背景の見え方が違うことで被験者により距離感に違いが見られたため、被験者を2つのグループに分けた。その結果、ぞれぞれのグループで近いと感じるフレームに置いて、残響感が遠くなっても、比較的近いと感じることがわかった。これは画角による映像の距離感の印象が残響音の印象に影響を与えたと考えられる。

映像に対する残響音のふさわしさに関しては、映像内の演奏者の大きさが小さい場合は、遠い残響音がふさわしいと感じる。また演奏者が大きい場合は近い残響音がふさわしいと感じる。距離感で見られたような、映像内の演奏者が同じ大きさで背景が異なる場合には、ふさわしさの違いがみられなかった。

Luiz Fernando Kruszielski
The Influence of Camera Angle in the Direct to Reverb Ratio Suitability and Its Effect in the Perception of Distance for a Motion Picture

In the field of study concerning sound, there are several studies about sound-spatial impression of an enclosed space. While vision is a sense that has a strong and dominant influence in the perception of space, there are few studies concerning the relation between both senses.

In this paper, a research concerning auditory and visual perception was conduced. Using chroma key technique, three videos from the same saxophonist performance were created. Stereo impulse responses taken at different distances from the source were used to convolute the sound of the player, which was recorded in a room with small reverberation. Two tests were conducted. In the first test (D/R; direct-to-reverberant test), participants where asked to select the suitable amount of reverb for the presented image. In the second test, the subjects were presented a combination of sounds recorded at different distances and various image-frames as a paired-comparison and were asked to judge the egocentric sense of distance to the player, and also which sound was more suitable for the image.

The results from the D/R test showed that even if the amount of reverberated sound was related to individual preference, there was a pattern on the subjects caused by the influence of the images.

In the paired comparison test, it was observed that the sense of distance was influenced by the size of the player in the image. Also, the differences in the reverberation of the sound had influence in the perception of distance. For the frames that the player had the same size in the screen, the subjects could be split into two groups with different sense of distance for the frames. In both group, for the image perceived to be closer the influence of perception of the distant caused by sound was comparatively smaller. It is suggested that this perception is caused by the influence of the angle of view in the perception of the image.

For the paired comparison concerning suitability of the sound recorded distances for the image, it was observed that as the player presented in the image is small, the sound recorded further away seems to be more suitable. Also, as the player presented in the image bigger, the sound recorded close seems to be more suitable. The differences between subjects observed in the sense of distance were not observed in this task.

2019年7月2日（火）

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要旨

東 英絵
ダンスと音楽
一音楽構造から振付けへ、ローザスを例として一

本論では、現代において「芸術」という括りにまとめられている、見せるための「ダンス」における音楽とダンスの関係性に着目し、ダンスにとっての音楽の役割を論じる。そのために、歴史的な流れを追い、そして現代の着目すべきベルギーのダンスカ ンパニー「ローザス」の音楽について検証する。

第1章では、ダンスと音楽の関わり方を歴史的な流れを確認する。宮廷音楽において舞曲が多く作られ、ダンスと音楽の関わりが非常に深い時代から、観客を伴う見せるためのダンスに移行する。時代が進むにつれ、いわゆるクラシックバレエ、モダン ダンス、コンテンポラリーダンスと、ダンスのジャンルが変化し、音楽の使用され方 が変貌を遂げた。20 世紀後半になるとメディアやテクノロジーの発展に伴い、さらに 使用する音楽の幅が広がっている。多様な音楽の選択肢がある中で、音楽とダンスの関係が、希薄になってしまったと言えるかもしれない。

第2章では、1章で述べた歴史の流れの中で、特にダンスと音楽についての独自な論理を持っている、ベルギーの「ローザス」について論じる。80年代以降「音楽的な」ダンスカンパニーと評されているローザス自体について、その創設者であり、振付家であり、ダンサーであるケースマイケルについて、そして、ローザスにおける音楽の特徴を挙げる。

第3章では、ローザスの実際の作品と、使用されている音楽についての分析をした。その楽曲を分析して、それをいかに使うか、という点でケースマイケルが振付けに広がりを持たせる方法が見て取れる。本論では、それらを「構造分析的」とし、その中
でも構造分析してからの振付けへの転化の方法がいくつかあることを提示した。また、楽曲だけでなく、歴史的な音楽の分析を行うなど、様々な論理を持っていることも明らかになった。ローザスにおいて、今後も新たな方法論によって音楽とダンスの関係がますます深くなる可能性を探ることができるであろう。

AZUMA Hanae
Dance and Music Creating Choreography based on structural analysis of music, with examples from ‘Rosas’

This thesis focuses on the relationship between music and dance, as art forms oftoday and discusses the ways music is associated with dance. As a method of investigation, a comprehensive research is carried out concerning the historical background of the relationship of music and dance, with an emphasis on ‘Rosas’, one of the most renowned dance companies in present day.

In the first chapter, a comprehensive survey on the history of dance is carried out. Many “dance music” were created as European court music since around the 13th century. At that time, there was no clear distinction between dance and music. Theatrical dance had just started wowing the audience. With time, a variety of genres of dance, such as classical ballet, modern dance and contemporary dance, have been formed, each having a different way of approaching music in their creative process. By the end of the 20th century, as numerous musical alternatives have become available with technological advancement, the relationship between music and dance has become less intimate in comparison to what it has been in the past.

In the second chapter, ‘Rosas’, is examined in detail, especially concerning its reputation as making music a crucial part of creative process. In particular, there will be a discussion of the role and the influence of Anne Teresa de Keersmaeker, the founder, the choreographer and one of dancers of ‘Rosas’. The third and final chapter will include several analyses of some of Rosas’ works. As Anne Teresa de Keersmaeker is known to often analyze music before she choreographs, studying the way she uses music in her dance is expected to bring to light the relational nature of music and dance, and suggest some ways the two art forms will continue to interact in the future.

2019年7月2日（火）

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要旨

上野 紘史
湯浅譲二作品研究、 —声を素材とした作品を中心に—

本論文は、作曲家湯浅譲二(1929~)の声を素材とした作品にどのような独創性 や先駆性があったかを考察し、明らかにすることを目的とする。湯浅の一連の声を素 材とした作品を、主に実験工房時代の初期テープ作品、独自の手法を開花させた《ヴ オイセス・カミング》(1969)、そしてそれ以降の声楽作品やコンピュータ音楽作品に 大きく分け、同時代の作曲家の声を素材とした作品と比較し、同時に湯浅の作曲上の意図や思想を考察する。

私は学部から大学院までずっと声を素材とした電子音響作品の制作をしてきた。そ うした中で湯浅の声を素材とした作品に出会い、大きな影響を受けた。その背景や思 想を考察することによって、今後の自作の作品制作の手がかりになるのではないかと 思い、本研究を行うことを決めた。

湯浅は実験工房時代、身近な作曲家である武満徹などと互いに影響を受けながら作 品制作をした。しかし《ヴォイセス・カミング≫において実際のコミュニケーション で発せられた声を素材としたことで、日本や海外のどの作曲家とも異なる独創的な手 法を確立させた。それは湯浅の60 年代での到達点であったと同時に、新たな出発点 ともなり、《ヴォイセス・カミング≫で得た問題意識を以降の声楽作品やコンピュー タ音楽作品で発展させていくことになった。

第1章では私の研究動機を記述するとともにミュージック・コンクレートと電子音 楽の誕生を概観する。第2章では湯浅が制作した初期テープ作品と、同じ実験工房に 属し湯浅にとって身近な作曲家であった武満徹のテープ作品とを比較し、同時代の同 じ環境にいた両者にどのような共通点や相違点があったのかを検証する。第3章では 湯浅の《ヴォイセス・カミング》がいかに他の作曲家とは異なる意図に基づいている かを考察し、その独創性を明らかにする。第4章では湯浅が《ヴォイセス・カミング ≫で得た問題意識をどのように 70 年代以降の別の作品で深め、発展させていったの かを考察する。第5章では結論として、そうした一連の作品の検証を踏まえ、湯浅の 音楽観、作曲観をまとめて提示する。

UENO Hiroshi
Works by Joji Yuasa:With light on the works made with voices.

This thesis aims to clarify how original and pioneering the works made from voices composed by Joji Yuasa (1929–) were. The works made from voices by Yuasa is mainly divided into four phases: initial tape works made at the Jikken Kobo age, an great original Vocies Coming, the vocal works, and computer music works. These works are compared with the works made from the voice of a coetaneous composers. His ideas of the compositions were considered.

I have composed electronic music works that employed voices for a long time from an undergraduate to the graduate school. In the meantime I have met his music works made from voices. I was very inspired from it. I decided to study his works to press for improvement in quality in my works.

At Jikken Kobo (Experiment Workshop) age, Yuasa composed a few works influenced by Toru Takemitsu who was acquainting to him. However, he composed Voices Coming made from the voice vocalized at actual communications so that he established original way different from other composers. It was not only the highest achievement at the 60’s but also the starting point for him. After then, the awareness of the issues born from Voices Coming was developed with the following vocal works and the computer music works.

Chapter 1 describes the research motive, and a general view of the birth of the musique concrete and the synthetic music. In chapter 2, the initial tape works Yuasa composed are compared with the tape works of Toru Takemitsu , who was also with Jikken Kobo and was a familiar composer to Yuasa. How two composers both existed in the same coetaneous environment had in common and the difference were discussed. Chapter 3 considers how different Voices Coming is from other composers’ works. Chapter 4 considers how the awareness of the issues obtained by Voices Coming was deepened at other works after 70’s. Based on the verification of the series of works, in the Chapter 5, I got Yuasa’s idea on the composition in order.

2019年7月2日（火）

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要旨

江口 加奈
ミュージカル・クラウン、グロックの音楽

本論文の研究対象は「20世紀で最も偉大なミュージカル・クラウン」と称されたグロックのアン トレ(音楽、曲芸、演劇による総合的な演目)における音楽である。そして、彼のアント レにおける音楽・音・身振りの特徴とその効果を明らかにし、さらに他ジャンルへの影響 を明らかにすることを目的としている。グロックはなぜそこまで観客を笑わせ、虜にでき たのか。芸術音楽に対する風刺が誰にでも受け入れてもらえる形でうまく表現されている からだという仮定のもと、具体的に検証した。

先行研究は学術的なものが非常に少ない。そもそも、サーカスやクラウンは、地位も低 く、放浪芸の類に属されていた背景もあり、研究対象とみなされて来なかった。その中で も、エヴゲニィ・クズネツォフのサーカス研究やトリスタン・レミィのクラウン研究等があ るが、ほとんどが歴史研究である。ミュージカル・クラウンに着目し、音楽学的な研究をおこなったも のは、吉村理恵の博士学位論文「サーカス・クラウンの音楽-20 世紀前半の音楽道化とその 周辺一」のみである。そこでは、グロックとフラッテリーニを例に、アントレと独自の音 具に着目し、作品分析が試みられている。この研究を踏まえ、アントレの特徴を再整理し、 理解を深めたい考えである。さらに、グロックと同時代を生きた、ルチアーノ・ベリオやチ ャールズ・チャップリンといった作品とも比較分析することで、他ジャンルへの影響にも着目した。こ の点が独自の視点である。

論文は 4 章構成である。第1章でサーカスとクラウンの歴史を概観し、その中でミュー ジカル・クラウンがいかにして誕生し、発展したのかを明確にする。第2章では、グロッ クのアントレにおける音楽的特徴やそれを取り巻くパフォーマンスの特徴を洗い出し、そ の表現を整理する。第3章では、映像資料にある1つのアントレを分析し、音楽・音・身 振りの特徴とその効果にまで踏み込み、それがどのように観客の笑いを誘ったのかを検証 する。ここでは執筆者自身でおこした楽譜を元に、分析も試みている。そして、第 4 章で は、ベリオの《セクエンツァV》、《セクエンツァル》、チャップリンの《ライムライト》の 3作品とグロックのアントレを比較することで、芸術音楽や映画といった他ジャンルの作品 に与えた影響を明らかにし、結びへとつなげる。

音楽史を語る際、とかく芸術音楽の歴史に重きが置かれ、大衆的な音楽が抜け落ちがち である。そこで本研究が、今まであまり光を当ててこられなかった大衆文化や大衆音楽の 研究を促進させるとともに、芸術音楽との結びつきを捉える上で、手がかりとなるのでは ないかと考えている。クラウンは音楽や美術、文学といった様々な分野にも題材として取 り上げられている。したがって、その影響力は目を見張るものがあり、表現を整理し、分析することは意義あることといえる。ミュージカル・クラウンのみならず、その他の芸術、 文化研究に更なる広がりを与えることが期待される。

EGUCHI Kana
Music of A Musical Clown, Grock

The research object of this thesis is music in entrée; repertoire mixed music, acrobatics and drama, of Grock called “The greatest musical clown in the 20th century”. It has aimed to clarify the feature and the effect of music, the sound, and the gesture in his entrée, and to clarify the influence on another genre, in addition. Why was Grock able to fascinate and laugh the spectators? I verified it; on the assumption that it is because of that the satire on the art music was so good in expressions which were accepted to everyone.

The academic preceding works are very few in this field. Most are historical study, for example Евгений Кузнецов’s circus and clown research and Tristan Rémy’s. Only in Rie Yoshimura’s doctor degree thesis, musicology research was done. It is an idea to arrange the feature of the entrée again based on this research, and to promote greater understanding. Therefore, I paid attention to the influence on another genre. The aspect of this comparison analyses is original.

The thesis is composed of 4 chapters. In Chapter 1, it takes a general view of the history of the circus and the clown. In Chapter 2, the feature of music and the performance is arranged. In Chapter 3, one entrée is analyzed and proved the expression and the effects of his music, sound, and gesture. Also verifying how it make spectator laugh. In Chapter 4, the influence on another genre has been made clear, such as “Sequenza V” and “Sequenza III” by Luciano Berio and “Limelight” by Charles Chaplin.

Music researches tend to be focused on only history of art music. Thus, this study promotes the research of a popular culture to which has hardly been paid attention to. It may become a clue in catching the relation with the art music. A further extension is expected to be given to not only of the musical clown but also other arts and cultural researches.

2019年7月2日（火）

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要旨

川端 啓太
旋律型の分類による印象評定を用いた作曲の一手法

近年における音楽認知研究の活発化の中で、細分化される音に注目するあまり、根 源的な「音楽らしさ」が欠如する例が指摘されるようになった。今日における音楽音 響分野などの技術的な研究の発展にも伴い、音楽認知研究に対する音楽家の意見、芸 術表現の重要性を見直す機会が一層重要となっている。

そこで本研究では、音楽家の立場から音楽認知と作曲に対する研究を行うことを前提とし、主観性と客観性の両方を兼ね備えた作曲の一手法を提案する。以下にその具一体的な流れを示す。

まず、研究対象を人間が音楽を聴くうえで最も認知されやすい旋律に絞り、メロデ ィーやリズムによる旋律型の分類に従って九つの旋律を作成する。次に、音楽的性格 を表すための印象語として「楽しげな」「穏やかな」「情熱的な」「厳かな」「気ま ぐれな」「覚えやすい」の六つを選択し、作成した旋律に対してそれぞれの印象語が どれほど当てはまるかを調査する印象評定実験を実施した。なお、印象評定実験への 適応を考慮し、作成する旋律は音色をピアノ・ソロ、ハーモニーを中庸な調性による 最小限の進行、テンポをBPM=100に統一した。この実験の結果を分析することによ り、それぞれの旋律が聴き手にどのような印象を与える傾向があるか、またそれはど のような音楽的要素の影響によるものかを体系的に調査した。最後に、実験によって 得られた結果を作曲に応用する可能性について検討し、舞台・映像音楽など聴き手に 一定の印象を与えたい場合や、音楽的要素をあらかじめ決めたうえでその旋律がどの ような印象を与える傾向があるかを知りたい場合などに役立つ可能性があることが 明らかになった。

KAWABATA Keita
A method for music composition by the use of impression evaluation according to classification of phrase type

On the development of music cognition research, it has been claimed thatthe musical essence were lost because it subdivides sounds too much. With the development of technological researches such as the field of Music Acoustics, the opinions of music cognition research from a musician’s point of view and the opportunities to review the importance of artistic expression have become more important.

This thesis suggests a method of music composition that comes from both objectivity and subjectivity views, supposing the research about music cognition and composition from a musician’s standpoint. A concrete flow is as follows:

First, the target is only limited to a phrase(a melody outline). According to classification of phrase type on melody and rhythm, nine phrases were composed. Then, in order to express musical characters, six adjectives – joyful, calm, passionate, solemn, capricious, and easy-to-memorize – were chosen and an impression evaluation experiment was performed for examining how much each adjective fits for a composed phrase. Balancing applicability and scientific validity of the experiment, all phrases were performed in piano solo with a programmed synthesizer, with the minimum chord progression of mean chords(non-major/non-minor) and with the tempo of BPM 100. Through an analysis of the experiment, it was systematically investigated that the tendency of impressions each phrase gives on listeners and what musical elements cause these effects. Finally, the possibility to apply the results of the experiment to music composition is examined. It is suggested that the method will be useful in the case of giving listeners the similar impression for the use of stage/screen music, or the situation that a composer wants to know the tendency of phrase
impressions.

2019年7月2日（火）

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要旨

金 惠貞
黒人霊歌からゴスペルへの定着過程に対する考察

新しい賛美歌を習うたびに、神に使わされた天使がその曲の楽譜を教会にのこして去っていく場面を真剣に想像していたのだが、青少年になってからは作曲者がいて、色んな編曲や解釈があるというのを知った。しかし、高校を卒業するまで誤解していたことがある。それは、ゴスペルを黒人霊歌と呼んでもいいと思っていたことである。確かに黒人霊歌にはゴスペルといっても良いような曲があるのが事実だが、ゴスペル全体が黒人霊歌と考えていた。

その誤解は大学に入って、ワールド・ミュージックという授業を受けてから晴れた。黒人霊歌はアメリカで18Cに出来たもので、ゴスペルがゴスペルという名で呼ばれるようになったのはそれからずっと先のことなんだと理解した。ブルースやジャズの中のリズム・パター ンもアフリカンたちの歌、または黒人霊歌と言われる音楽から派生して来て出来たというこ とも知った。私が教会で歌っていたいわゆるゴスペルはリズムやメロディーで切り分けられ るような音楽ではなかった。リズムや和声がブルースであっても、8ビートのバラッドでもクラシックの弦楽器編成で奏でられてもそれはゴスペルというカテゴリーの中の音楽だった。その後、ますます黒人霊歌やゴスペルについての研究に興味を持った。そして「声」という素材を用いた音楽としての黒人霊歌もとても興味深いと思い、この研究を進めるようになった。

Negro spiritual – the song of black slaves who were forcefully transported from Africa – is a deeply religious music which expresses the hope of those people to escape from pain and suffering. There is no question that these songs have exerted a great influence on contemporary music. The style it has most influenced is gospel music, its most similar contemporary counterpart in terms of both role and sound. The two styles are similar enough to often be confused with each other. The reason for this is largely that gospel music attempts to introduce the Negro Spiritual to present society via Western style musical arrangement, and appeal to the strong religious faith of African Americans by using the Negro Spiritual style, as well as emphasize the creative ability of black people. However gospel was able to wholly transform the negro spiritual into the form of a hymn, thus overcoming the antipathy that many black people later felt towards the negro spiritual as a result of its associations with slavery. Through this transformation, white Americans also came to recognize the musical ability of African Americans, and black people were able to take a leading role in metropolitan music culture. From the 1920s, black gospel enjoyed a boom, and the black sound drew a large response worldwide. From the 1950s to the 1960s, gospel also became associated with the Civil Rights movement and came to have a large influence on American society both socially and culturally.

2019年7月2日（火）

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要旨

砂守 岳央
インターネットにおける聴取実態の調査

近年、インターネットを通じた音楽聴取については日進月歩の勢いで進歩し ており、いまや音楽聴取体験において大きな割合を占めるようになっている。 本論文では、インターネットを通じたアンケート調査とリスニングテストによ り、聴取者の再生環境における音響特性について調査および考察を行った。

インターネットを通じた視聴において、使用される再生環境は多岐にわたっ ていることが予想される。PCにおいては、従来のCDプレーヤーなどと比べ て商品展開の幅が広い上、外付けのスピーカーやイヤフォンを使用されるケー スも多いからである。このことは、現在、音楽制作の現場において重大な問題 となっている。インターネット向けの制作の場合、視聴者の環境を想定するこ とが難しいからだ。本論文の調査は、そのような、制作現場において有用な指 針を作ることが目的である。

そこで、今回の調査では、ネット上でのプログラムを使用した、規模の大き な調査を行うこととした。被験者の募集と調査の実施はともにWeb上で行わ れることとなった。まず予備実験とプログラムの動作チェックを兼ね、2009 年11月28日~11月29日、東京藝術大学音楽環境創造科に所属する録音 専攻の学生と教員計18名向けに調査を行った。その結果を検討し、聴取実験 を調整した上で、2009年 12月5日~12月7日、一般向けの調査を行った。 最終的な被験者数は320名であった。

調査にあたり、FLASHを用いた調査システムを設計、実装した。調査シ ステムはアンケート、低音域リスニングテスト、高音域リスニングテストの三 部から構成される。リスニングテストは、ピンクノイズとローパスフィルタ、 ハイパスフィルタを利用して、低音域、高音域が被験者の環境においてどの周 波数帯域まで再生されているかを調査するものである。調査には極限法が用い られた。その結果はメールを利用して収集された。

収集されたデータをチェックし、問題のあるデータが取り除かれた。これ により、データ数は、アンケートと高音域テストが319名、低音域テストが 269名となった。

アンケートの分析結果により、被験者層の特性が明らかになった。この際、 被験者の使用している再生環境を「ヘッドフォン型」「内蔵型」「外付け型」の 三型に分類した。それぞれの割合は以下の通りとなった。

・ヘッドフォン型・・・40%
・内蔵型・・・39%
・外付け型・・・21%

リスニングテストの結果は、分散分析と箱ひげ図の作成によって分析された。 その結果、以下のことが明らかになった。

・低音域の再生、聴取には環境によって大きな差がある。
・これには、再生環境のタイプの違いが強く影響している。
・低音域の再生、聴取に被験者の年代はほとんど影響がない。
・高音域の再生、聴取には環境による差は少ない。
・再生環境のタイプの違いの影響は確認されなかった。
・高音域の再生、聴取には被験者の年代の影響が見られた。

インターネットを対象とした制作にあたっては、低音域の扱いに注意が必要 であるということが、以上から示唆される。また、多くの被験者を募ることに 成功したことから、インターネットを通じた被験者募集には非常には大きな可 能性があるということも明らかになった。

SUNAMORI Taketeru
Research on condition of the audio listening via the Internet

These days, the audio listening via the Internet becomes quite popular. In this research, we investigated acoustic condition of listeners via the Internet with questionnaire and listening tests.

Conditions of the audio listening via the Internet should have wide range, because people have a lot of choices to play audio with personal computers (PCs). They can use internal loudspeakers, headphones or external loudspeakers. Recently, it becomes a large problem in the field of sound production. Producers and engineers can’t imagine how acoustic conditions of their customers are. The aim of this research is to make criteria in this field.

A FLASH program was designed to collect data via the Internet. Program is composed of three parts – questionnaire, low frequency listening test, and high frequency listening test. The purpose of listening tests is to find out how low or high subject can be heard with gears they usually use. Pink noise and LPF/HPF used to make test signals. Test sequences follow “Method of Tracking”.

In analysis, we classified types of devices in three groups.
(I)Internal Loudspeakers 40%
(II)Headphones (includes earphones) 39%
(III)External Loudspeakers 21%

Collected data of listening test analyzed with ANOVA and Box-plot. As the result,

  • There is a major differences in low frequency reproduction.
  • There are many correlations between low frequency reproduction performance and the type of devices.
  • No relationship are found between low frequency listening ability and age of listeners.
  • Differences in high frequency reproduction is much smaller than that of low frequency.
  • Correlations between high frequency reproduction performance and the
    type of devices are also small.
  • There are correlations between high frequency listening ability and age of listeners.

To conclude, low frequency sound should be treated with special attention in the production purposed the Internet. And also, we can say data collection via the Internet have great possibilities.

2019年7月2日（火）

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要旨

田中 文久
深井史郎の映画音楽 一トーキー黎明期における実験的手法一

本論文は、日本の作曲家である深井史郎の、戦前の日本の映画音楽における実験的な手 法や考え方を論じたものである。特に戦前の1930年代における作品と、その中に見いだせる深井史郎の映画音楽の理論について述べる。

映画が1894年にパリで生まれ、世界初のトーキー映画「The Jazz Singer」は1927年に 制作された。当時の情報の流通速度を考えると、日本の1930年代はトーキー映画の黎明期 といえる。映像と音の関係には定まったものはなく、常に模索され続けている状態であった。山田耕筰や早坂文雄、そして本論文であつかう深井史郎など、当時最先端で活躍して いた作曲家もどんどん映画音楽に関わるようになり、様々な実験的な手法が試みられた。

1936年に《パロディ的な四楽章》を発表し、コンサート作品の作曲家として既に有名で あった深井史郎は、1935年に彼にとって初の映画音楽である《長崎留学生》の音楽を担当 し、戦前の映画音楽の作曲家の中でも有名な存在となっていった。

深井は映画音楽に音楽の新たな活路を見いだしていた。同時代の作曲家を批判しなが ら、映画音楽が軽視されがちだった当時において、コンサート作品と映画音楽の両者のギャップを埋めようと努めた。

また彼は映画の音響芸術、時間芸術としての特質を見抜き、「色彩」「対位法」と深井 が呼んだふたつの概念を理論化し、自身の映画音楽で実践していた。ここにおける「色彩」とは、音色を様々にコントロールすることによってうける直観的印象を操作しようと することである。またここでの「対位法」とは映画における諸要素を並列に捉え配置して いくことであって、一般に映画で用いられている、映像と音楽の対照をみせるという意味の「対位法」ではない。

そのような深井の映画音楽理論は、アヴァンギャルドというよりはむしろ、現代のわたしたちにとっては不文律的に理解している当たり前のことのように見えるものであるかも しれない。だが、トーキー映画が出来てまだ10年と経たないうちにそのような理論を形成 していた深井は、現在なされているよりもさらに評価されるべき作曲家の一人ではないだろうか。

TANAKA Fumihisa
Shiro Fukai’s Music of Cinema
The experimental technique at the dawn of the Tokie-movie –

This thesis discusses the experimental technique of Shiro Fukai’s music of cinema in Japan before the Second World War, particularly examining work from the 1930s, and the theories of Shiro Fukai’s music of cinema.

The movie was born in 1890 in Paris. The First Tokie-movie “The Jazz singer” was exhibited in 1927. Considering the speed of infomation for that period, 1930s Japan can be described as the dawn of the Tokiemovie. There were no definitions about the relationship between cinema and music. The most popular composers of that time, Kosaku Yamada, Fumio Hay asaka, and Shiro Fukai had began to compose for cinema, using various experimental techniques.

Shiro Fukai, was already popular a composer of concert music, having produced ‘Four movements as the Parody’. In 1935 he composed music for the movie ‘Nagasaki Ryugakusei’ (A student studying in Nagasaki), his first work for film. From this he became popular as a composer of music for cinema.

Fukai had found in the music of cinema a new method of musical expression. Criticising composers of the same generation, the music of cinema had been often slighted for that day. He had been trying bridge the gap between the music of cinema and concert music.

He discovered two important characteristics in cinema. One was the sound-art, and the other was the time-art. He theorized the two characteristics, and he called them “color” and “counterpoint”. This word called “counterpoint” was not intended to mean the contrast between movie and music in cinema. It was intended to express regarding without some ranking, the arranging of all factors in cinema.

This theory of the music of cinema that Shiro Fukai theorized, can be seen today as an established law of cinema. Given this significant contribution to cinema history, Shiro Fukai, who produced such theories during the 10 years after the birth of Tokie, should be comprehensvely evalutated.

2019年7月2日（火）

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要旨

金井 哲郎
奏楽堂の可変天井による残響の変化と録音への影響について

東京藝術大学構内に奏楽堂というコンサートホールがある。このホールは様々な音楽ジャンルに対応するために大規模な天井可変機構が備わっている。本研究では天井毎の残響の違いと、録音位置で のマイクでどの様な響きの変化が起こっているかを調査した。

以下の7つの天井高・舞台セッティングに関してインパルス応答収録実験を行った。

1.フル天井(最も天井を高くした状態で、パイプオルガンのコンサート等に用いられるもの)
2a. オーケストラで用いられるもの(ひな段なし)
2b.オーケストラで用いられるもの(ひな段あり)
3a. ピアノで用いられるもの
3b.声楽で用いられるもの
4.3bから舞台上天井を変更したもの
5.邦楽で用いられるもの

この実験は、単にホールの残響を測定することだけが目的ではなく、奏楽堂でのコンサート録音に 生かせるデータを得る事が目的である。そのため、インパルス応答の収録には、ダミーヘッドや測定 用マイクだけでなく、実際の録音で用いるマイクやそのセッティングも用い、また、本研究室で研究 中である高さスピーカーでの再生を目的としたマイクでも測定を行った。なお、フロント側のマイク はそれぞれの天井高/音源位置に対して、奏楽堂での録音でよく使用するマイク位置と、その前後1mずつの3箇所に設置した。

これらのデータを用いて試聴実験を行った。7のうち4つの天井パターンに絞り、サラウンド収録で用いるセッティングで収録したインパルス応答のデータを使用し、無響室で録音したテンポや音符 の細かさが異なる3つの音源に畳み込んでサラウンド音源を作成した。

4種類の天井パターンに対して、それぞれ3種類のマイク位置のデータを用いて畳み込んだ12種類 の音源を、被験者が自由に切り替えて聞けるようにし、それぞれの評価をスライダーを用いて序列化 した。評価語として「残響の明るさ」「包まれ感」「心地よさ」の3つの形容詞を用い、3 種類の音源(トランペット、バイオリン、フルート)それぞれについて3つの形容詞の評価を行った。

これを集計したデータから平均値と95%信頼区間を計算・分析した。その結果以下の事が言える。

・ 1のフル天井ではマイクを基準位置より離すと「心地よさ」が減る
・邦楽仕様の天井ではフロント側のマイクを離すことで「包まれ感」が増す
・ 邦楽仕様の天井では
・ 楽器の別に関わらず近いマイクで「明るさ」「心地よさ」が低くなる
・ オーケストラ仕様の天井ではトランペットとオーボエの音源でマイクを遠くした時に「包まれ 感」が増す

本研究で用いたインパルス応答は非常に大掛かりな実験をして得られたデータであり、今回の論文 に記述した以外にも様々な視点から分析・実験を行うことで新たな発見があると思われる。

なお、収録実験で得られた全てのインパルス応答の音声ファイルや、試聴実験に用いた無響室の音 源及び、集計結果、平均値と95%信頼区間を示した表等を付録の DVD・R に収録した。これらを用いれば様々な音源にインパルス応答を畳み込み、天井ごとの残響の違いをその音源でシミュレーション する事ができる。また、客席で聞こえる音をヘッドホンでシミュレーションする事なども可能であり、 様々な活用方法があると考えられる。

KANAI Tetsuro
On changes of reverberation due to the adjustable ceiling panels in Sogakudo concert hall and the effect to music recordings

A concert hall Sogakudo has variable ceiling panels. Usually the ceiling panels are adjusted according to music genre. In this research, acoustical changes in Sogakudo due to the adjustable ceiling panels was investigated, and how those changes affect the recordings made in the venue.

Impulse responses were recorded at seven settings of ceiling panels. Each settings were most commonly used for:

1. a concert of pipe organ,
2a. an orchestra without steps,
2b. an orchestra with steps,
3a. a piano solo concert,
3b. vocals,
4. a variation of 3b, which is usually not used, and
5. a Japanese traditional music concert.

Eighteen microphones were used for this measurement. The microphones configurations such as “Omni-8 front microphone array” and “Omni-square ambient microphone array” were placed with music recordings in mind as well as the ordinary impulse response measurement setups. The impulse response data obtained from these microphones can be used with five-channel surround speakers with sufficient computations. Especially, recordings using the Omni 8 array were made at reference position, lm near, and 1m far from the speaker.

Subjective evaluations of 12 sound stimuli of four ceiling settings and three frontal microphone positions were done. Three anechoically recorded music excerpts were convoluted with the 12 impulse response files resulting in 36 sound stimuli. Sixteen participants rated on a scale of 0 to 100 with vertical sliders on a computer graphical user interface. Three adjectives “Brightness”, “Envelopment” and “Comfortableness” were used for the evaluation.

As the result,

  • Ceiling No.1 with far microphones was rated low in “Comfortableness,”
  • Farther microphones with ceiling No.5 was rated higher in “Envelopment,”
  • Nearer microphones with ceiling No.5 was rated lower in “Brightness” and “Comfortableness,” and
  • Trumpet and oboe played with farther microphones with ceiling No.2 were
    rated higher in “Envelopment.”

All impulse response files are included in appendix DVD-R, The recorded impulse response files are expected to provide valuable information in further investigations.

2019年7月2日（火）

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要旨

山田 美慧
音楽再生における奥行き感の表現をめざした録音方法の検討
――高さ方向からの再生による試み――

最近では 5.1ch サラウンドが家庭にも浸透しはじめ、テレビ放送においてスポーツの 中継や映画の放映だけでなくサラウンドによる CM の制作もおこなわれている。しか し、視覚情報に頼らない音楽再生を考えた際は、音のみで空間特性を表現しなければな らない。この場合、左右の広がりや包まれ感だけでなく、前後の立体感つまり奥行きが 重要な要素である考えた。奥行きに関するもののひとつに“ensemble depth”という視 点からの研究がある。本研究ではこの ensemble depth を聴取位置の前方における楽 器郡の奥行きと定義し,より豊かな ensemble depth を実現するための録音方法を検討した。また、音場の再現性を高めるために,反射音を側方や上方から再生する研究が されていることから,高さ方向からの反射音の再生が必要ではないかと考えた。そこで, 5.1ch サラウンド音響システムで再生することを前提に, ensemble depth を表現する ために効果的なスピーカーの位置についても検討した。

まず,録音方法の試みとして、奥行き感の実現に寄与していると仮定した位置に,二 組のマイク (以下,M_HI, M_H2)を設置し、スピーカーからモノラル再生した音を 録音をした。この二組のマイクは通常のメインマイクよりも高い位置に設置された。こ の二つのマイクと比較する目的でメインマイクと同じ位置にもマイクを設置した(以下、 M_M”)。また, 再生方式の検討として,このマイクで収録した音を再生するのに適した スピーカー位置を検討した。まず,既存の 5.1ch サラウンド音響システムの上方,仰角 30, 中心から±30, ±60°, ±90°の位置に設置した。この上方のスピーカーから M_H1, M_H2 を再生し、その効果をアンケートによって調査した。最終的に, 上方スピーカー は中心から+60°とした(以下、S_H60)。

次に,実験1 として先に録音した音源を用いての主観評価実験を行った。評価手法と しては、GAL (Graphical Assessment Language)法を参考にした。これは、再生される音の印象を図示する方法で、今回の実験では、音の広がりや奥行きを楕円で図示する よう求めた。分析の結果,再生するスピーカーの違いによって,音源までの距離が前後 することがわかった。これは M_M’, M_H1, M_H2 のいずれにもあてはまった。音源の 横幅(Source width)の変化に関しては、フルート,ヴァイオリンの両方でスピーカーに よる差があらわれた。横幅の知覚に関して,S_H60 による再生での楽器による要因が 主効果としてあらわれた。また,音源の縦幅(Source depth)の変化に関しては,音源までの距離と楕円の横幅の場合と比べてスピーカーによる差が小さかった。

次の段階として,実験1 に関する考察をふまえて、複数の楽器による演奏を録音し、 実験1 と同様に GAL 法によって評価実験を行った。これを実験2とし、主に ensemble depth と ensemble width について分析した。その結果、マイクによる違いについて 統計的な有意差は得られなかった。しかし、実験後のアンケートから、被験者がマイク の違いについて、奥行きも含めた空間印象の違いや音色の違いを述べていることから、 今後は、奥行きに関するより効果的な収録方法の検討と、適切な実験手法の検討を行ってゆきたいと考えている。

YAMADA Misato
Investigations on the recording technique to reproduce sufficient ensemble depth for Music
—An experiment with elevated microphones and upper loudspeakers—

The aim of the research was to investigate microphone setups and reproduction systems that can recreate perceived depth of a classical music reproduction in a concert hall. The hypothesis of the research in multichannel surround system refers to the idea that the depth of a group of sound sources, which was defined as “ensemble depth,” is identifiable with a pair of additional microphones with a proper reproduction channels.

Two pairs of microphones were arranged for recording the reflected sound from the ceiling.
Two experiments were done to investigate the effects of the microphone setups and the speaker setups using GAL (Graphical Assessment Language) method, comparing elevated and non-elevated microphones and loudspeakers. From the analyses of distances of the instruments from the listener, ensemble width, and ensemble depth, the effect of the elevated loudspeakers were significant but not the effect of the elevated microphones.